El Arte Pop: consumismo y liberación

EL POP ART

A partir de los años 40 y 50 se convierte en una industria cultural.
Su fundamento es el consumo y el sujeto de la industria cultural es el consumidor. Frente al sujeto libre kantiano que entra en contacto con las obras de arte, se sustituye por el sujeto que se ve interpelado por la publicidad y los medios de comunicación para que consuma.

El consumo y el capitalismo se convierten en el modelo fundamental de la producción cultural. Es una cultura de masas, mediática.

Esto se convierte en una realidad dentro de la Guerra Fría, se convierte en una propuesta ideológica positiva, una alternativa de libertad. A esto se enfrenta el arte de vanguardia, compitiendo con la cultura mediática.
Se producen manifestaciones artísticas que asimilaban el vocabulario de la cultura de masas: es el ARTE POP. Es otro síntoma del fin del modernismo.
Johns y Rauschenberg luchan contra el modernismo, es una crítica al funcionamiento del mundo del arte. Fue asimilado por las galerías y percibido como una nueva vanguardia.

RICHARD HAMILTON

Es otro autor que hizo “Exactamente ¿qué hace de las casas de hoy en día tan diferentes y atractivas?”. Es una casa con todos los fetiches del mundo moderno. Hay constantes referencias al mundo americano. Aparece un televisor, un teléfono, una alfombra que en realidad es un cuadro de Pollock, una lata de jamón cocido, un chupa chups, una taza de café, un magnetófono, una aspiradora, unos cómics,...
Los individuos en blanco y negro se integran como objetos.

La cultura es un lugar de excitación consumista. Los hombres no son tanto productores como productos. Son obras un tanto ambiguas. Los personajes son complejos. Se codifica la experiencia en un análisis crítico. Hay un rechazo enorme a la cultura de elite, se puede detectar una adhesión a los medios de producción mediáticos. Hamilton fundamenta su investigación en los medios. El Pop no fue universal, tiene su extensión y sus secuelas.


ANDY WARHOL.

Su personalidad es difícil de definir ya que no se ajusta a ningún tipo. No es uno más sino que es un ser diferente. Esa ansiedad de la identidad se convierte en paradigmática. El caso Warhol se convierte en modelo de la experimentación contemporánea.
Las obras no significan al artista, su significado está ligado al contexto y al entorno social.
Critica el concepto de interioridad. El arte es una producción cultural colectiva donde el individuo es un componente más del entramado social. Al igual que para Rauschenberg, el marco de representación es una pantalla frágil y sin profundidad (TV). Las imágenes atraen el deseo del consumidor. Las producciones sociales son contingentes y superficiales.

Esta fragilidad no la percibe como una carencia o castración sino que para él es como una liberación. Este sistema superficial le libera. La subjetividad estable y fuerte era represiva y opresiva, es como una cárcel.

Ve que en los medios de masas la apertura aparente le parece liberadora. Es un modo de afirmar la nueva subjetividad artificiosa de un nuevo mundo, una subjetividad en tránsito que puede ser primero amarilla y luego verde.
El hombre se cumplía cuando salía por la televisión. Esto es liberador pero a la vez hay un elemento de denuncia. Un sesgo de señalamiento de una carencia, un sesgo mortal o melancólico.

Sus cuadros son un juego de máscaras. Warhol hace una exposición en la Galería Blume en un ambiente más gay. Son exposiciones que marcan diferencias con Duchamp.
“Serigrafías de la Campbell Soup”, “acumulación de cajas del detergente Brillo” uno piensa que el punto de partida es el ready made. Sin embargo hay algo más porque al usar cajas su esencia publicitaria está relacionando el mundo de la galería con el mundo exterior.
Los objetos de Duchamp se vacían de contenido y se llenan de contenido artístico. En Warhol no estamos seguros de sí esta haciendo publicidad. Como son imágenes nos remiten a los signos que hay fuera de la galería. La relación tiene connotaciones publicitarias y consumistas. Lo llena de significado social dentro de los medios de masas.
Warhol pretende una destrucción de los modelos de modernismo. Se elimina el concepto único y aparece la seriación. No hay composición. La repetición nos impide fijarnos en un único objeto por lo que es imposible localizar el original.
Es difícil analizar el punto de vista de Warhol. Podemos pensar en una denuncia sistemática o en un intento de vaciar el contenido de la imagen a través de la repetición.
“Serie sobre accidentes” Imágenes monocromas y sobre expuestas. Escoge temas en los que hay una fascinación por la muerte producida por la tecnología. Rompe la cadena que llega a su fin; nunca hay conclusión. Hay una negación a utilizar los medios de producción únicos. Se pone en evidencia cómo funcionan los medios y hay una renuncia a la denuncia a través de una obra única.